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Artist Interview/ ダイナミックな表現で、人々の心を撼わすアーティスト。 持田敦子インタビュー

    東京藝術大学大学院 先端芸術表現専攻を修了後、バウハウス大学ワイマール 大学院を修了し、2019年から制作の拠点を日本へ移した持田敦子さん。
    その少女のように柔らかく、可愛らしい印象からは考えられないほどダイナミックな表現が持ち味の持田さんは、CAF賞において、「T家の転回」で審査員である齋藤精一賞、またアートアワードトーキョー丸の内で今村有策賞を受賞し、2019年にはReborn-Art Festivalに出展するなど、活躍の場を広げる新進気鋭の若手作家です。

    持田さんが滞在しているアーティスト・イン・レジデンス「PARADISE AIR」(松戸)(http://paradiseair.info)へ伺い、アーティストを目指したきっかけ・最近の作品制作・ArtStickerを通じた新たな試みについてお話を伺いました。



ーご自身がアーティストになろうと思ったきっかけを聞かせていただけますか?

物心ついた時から漫画とか、セーラームーンの絵とかを好きでよく描いていて。外に行かずに部屋の中で絵を描いているような子供だったんですよ。

けれど、中学生くらいになると、だんだん学校の中で絵がプロみたいに恐ろしくうまい子、というのが周りに現れだすんですよね。そういう子たちに対峙して初めて、自分はうまいと思っていたけれどそんなでもなかったんだ、と思って。誰もがどこかでぶつかる、挫折というか、へし折られる瞬間ですよね。

それで、中学3年間くらいはその絵が上手な子たちと一緒にいて、どんなふうに描いてるんだろう、とか色々見ていたんですけれど、結局、彼らがうますぎて全く追いつくことができなかったんです。

高校に入る段階で、なんとかしてこの人たちより上手くなるにはどうすればいいんだろう、と考えた時に、両親の知り合いで画商をされていた方がいて、予備校へ行ってみることを勧めてくれたんですね。絵が上手くなるには、デッサンするのがいいとよくいうじゃないですか。だから予備校に行って基礎力をつけるといいのでは、と。

そして予備校に通うことになったのですが、いざ行き始めたら、絵を描いて、頑張ったら頑張った分、しっかりと誰かがみてくれていて、「持田、頑張ったな!」と褒めてくれるんです。そういうのが素直に嬉しくて。
それまで、何かに全力で打ち込んだりとかあまりなかったのですけれど、初めて絵だけは夢中になることができたんですよね。そこから、美大に行きたいな、というのを考え出しました。

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アーティスト・イン・レジデンスはアーティストに一定期間、滞在場所と制作場所を提供し、移動と制作活動を支援する取り組み。施設内には以前「PARADISE AIR」にいたアーティストたちから送られてきた絵葉書や作品たちがたくさん並び、今もつながりを持ち続けている。


ーもともと、日本画を学んでいらして、芸大の先端芸術表現学科へ大きく転向された背景は何だったのですか?

最初に日本画を選んだのは受験のためでした。高校生の段階で何を専攻するか決めるのですが、私はとにかく絵が上手くなりたい、という一心で始めたので、受験においてデッサンの比重の重い日本画コースを選択しました。練習すればするほど上達するものなので。

それともう一点、日本画は当時の自分にとって一番「上手に描く」という概念が分かりやすかったんですよね。綺麗とかうまいとか、ルールが理解しやすかったんです。
例えば受験においても油絵科とかだともう少し、自己表現の世界とかになってきて。先生から「ここはもっとこうした方が良い」と指導していただいても、知識や表現がまだ分からなかった高校生の自分には、それを受け入れることが難しかったんですよ。

そうして東京芸術大学の日本画を目指して受験して、2年間の浪人の末に武蔵野美術大学に入りました。それまで、受験のために描く絵は点数がつくもので、うまい下手とか、より良い点数を取るための点取りゲームみたいな感じだったんですけど、大学に入った途端、いきなり自由になるんですね。あなたが描きたいものを描いていいよ、って。

高校生の基礎がまだ分かっていない時に言われていたら、おそらく戸惑っていたと思うんですけど、浪人期間と、高校生の予備校での時間を含めると5年の時を経ていて、その間毎日絵を描き続けていたのでなんとなく、画面を自分のイメージで埋めることというのがテクニックとして習得出来ていたんです。だからそのタイミングでついに楽しく「表現」というものに向き合うことが出来るようになったんですよね。

そうやって楽しくなり始めていた頃からなんですけど、武蔵美の日本画学科って、現代美術のフィールドで活躍されている方が先生としていたりするんですね。その作品制作のお手伝いやインターンという感じで制作現場や美術館に行って、どういうことをしてるのか勉強をしだしたのですが、それがきっかけで現代美術にも目が向きだして。

大学の最後に卒業制作展で作品を2作品作るんですけど、その頃はすでに壁に絵を描いたりとか、空間を使った作品に興味があったので、空間を使いつつ絵画で表現する作品を1点目として制作したのですが、それが大失敗してしまったんです。

空間の中に配置できる、絵画における余白や背景をなくし、図のみを独立させた作品で、空間の中にドアの絵画作品を配置した作品だったのですが、その講評がスタジオでされるんですよ。

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当時の作品「風景」, 2013年

スタジオの、作品との統合性が全く整えられていない空間にこれを置いたら、本当にひどい作品になってしまって。その時、空間を使った作品を考えていたくせに、作品が実際に置かれる背景を綺麗にすることまで頭が回らなかったんですね。
すごく頑張って作ったのに、作品だけが浮いて、悲惨なことになってしまったんです。

それで、こんなひどい絵しかかけないんだったら、もうやめる!みたいな感じになって。
その時に仲良くさせていただいていた先生に現代美術家の栗林隆さんがいて、どうしたら良いか相談したら、「まず、100枚ドローイングをしろ」って。そしたらその中で1つくらいは次にやりたいと思う作品が出てくるから、と助言をいただいて。それから毎日ドローイングをして、厳密には100枚までは描けなかったんですけど、とにかくできる限りたくさんアイディアとイメージを出しました。

それを経て、今やってることの原型となる作品を卒業制作の最後の最後で作ったんです。

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「壁」, 2013年

日本画の卒業制作なのに、一切絵筆を使わない作品でした(笑)

日本画学科の卒業制作としての点数的には決して良くなかったのですけど、この作品を通して大工さんや先輩方に手伝っていただいたり技術指導をしていただきながら、友人や後輩も巻き込んで、チームで作品を作っていく経験をさせてもらったことと、制作していく上でその後も支えとなってくれる方々と知り合うことが出来たのはすごくよかったなと。

卒業後も、インスタレーション作品をもっと追求しようと作り続けていたのですが、やがて、どうしてもそれだけでは限界が見えてきてしまったんですね。現代美術を志す知人友人も少なかったですし、どこを目指していけばいいのか情報も足りなくて。

そこで、もっと色々な表現を勉強し、知識を得ようと東京藝術大学大学院の先端芸術表現専攻へアプライすることを決めました。


ーその時、ドイツのバウハウス大学も一緒に行かれたのですか?

海外はもともと、いつかは行こうと思っていて、交換留学も考えていた時に探していたらPublic Art and New Artistic Strategies(以下PANAS)というコースがあって、それがめちゃめちゃピンとくる内容だったんですよね。

パブリック空間での表現やパフォーマンスにフォーカスしている内容だったのですが、私自身それまで結構ギャラリー空間とか、スタジオアートとかよりは、もっと外に出てやるようなことをしていたのでぴったりだなと。
その時、PANASの枠で交換留学はなかったのですけど、お世話になっていた教授のお知り合いにそのコースの教授をされていた方がいたのでご紹介いただいて、ポートフォリオを直接見せて、きていいよと。


ードイツに行ったことで、ご自身にどういった変化がありましたか?

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ドイツで得た影響はめちゃめちゃ大きかったですね。トータルで3年間くらいいたのですけど人としての意識も変わったし、ポリティカルなことや、あとはお金に関しての考え方も大きく変わったなと。

決して日本を批判するわけではないのですけれど、日本の大学での教育って、お金の話をしたがらなかった印象があるんですね。絵は売るために描くのではなくて、もっとピュアに「アートとは何か」を突き詰めて考えるのが大切、という風に教わっていて。だけど、これからアーティストを目指している学生からすると、それだけを考えていくということを、リアリティとして捉えることができなかったんです。

でもドイツに行ったら、お金をどうやって得ようか、みたいな話も全然普通にしていたんですよ。アーティストが美術館などで展示をやったとしても、監視員や清掃員とかの方が労働に対してコンスタントにお給料をもらっていて、アーティストはほとんどもらえない、みたいなケースもあって、そういうのをどんどん変えて、アーティストとしてのフェアなウェッジをもっと考えていこう、みたいな声がいろんな国であがっていて。

そういった動きがあるので学校でも、例えばバウハウスでは「MONEY MONEY MONEY」と冠されている、どういうファンディングがどの国にあって、レジデンスを探すにはどういうウェブサイトを使って・・など、アーティストがお金を確保するための現実的な授業があったりしました。

お金を得ようとすることは伏せるべきことじゃなくて、必要なことだよね、みたいな。もちろんそれだけでなく、まずはより良い表現を目指すことが大切だと日本の教育では伝えたかったと思うのですが、お金に関する感覚は変わりましたね。そういうことがあって、今まで日本にいた頃には気にならなかったことが気になるようになったりとか、海外に行って新たな視点が加わった感じです。


ー今回、ArtStickerで公開された「T家の回転」の着想を得たのはいつだったのでしょうか?

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「T家の転回」, 2017年。この家の中央部分を直径5mの円形に切りとり、回転する構造上に再構築を行った。鑑賞者の手動により行われる回転運動によって、軸を中心に家の内部と外部が入れ替わる。 このとき鑑賞者は能動的に家を動かすパフォーマーとなる。

着想自体は、実は結構前なんですね。最初は何かもともとサイト(場所)があって、そこにインターベンションを入れるような作品を作りたいと思っていたんです。
そんな折、祖母が病気になって、「もし私が死んだら、住んでいる家はどうなるんだろう」と心配していたんですよね。祖母はその家が好きだったから、残したかったらしくて。そこで、「私、家を作品にするから大丈夫」と励ましていたりして。

そんなこんなで祖母が元気になって退院することになったんですけど、「おばあちゃん、あの件だけど、進めていい?」と話したら「冗談じゃない!」みたいな(笑)それはそうですよね、住んでるんだから(笑)

それで、その家の裏に祖母が昔住んでいた別の家が放置されていたので、それだったらなにしてもいいよ、と言ってもらえて。じゃあここで何かやろうと。

もともとは「original」の部分だけの家だったそうなんですけれど、祖母が出産を経て家族が増えるにつれて増築していったので、その家の第一増築と第二増築と、全ての歴史を含めて回転が行われるようにして、その回転が屋内の空気をかき回し、新たな機能と空間をつくりだしてくれるようになっています。

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実は空間が動く、みたいな着想はこの作品の5年以上前から考えていて、近しい作品は作っていたんですね。そんな中でこの家としてのサイトと、祖母のストーリーと、やりたかったイメージがきちっと合ったので、この時は改めて作品として制作しました。


ーArtStickerという新しいシステムを使ってみて、マッチングがいいなと思われた理由はどんなところだったのでしょうか?

アーティストとしてお金を得るのは本当に大変なので、作家業だけでやっていこうと思ったら最低限の生活を維持することがそもそも難しいんですね。

とくに私のようにインスタレーションメインだったり、あとパフォーマンスや映像メインの方などもそうかもしれませんが、「作品を売る」というマネタイズはほぼ考えられないです。だから展示に参加した時のアーティストフィーとか、助成金とかがメインになってきます。また助成金は制作に関わる素材費等はサポートしていただけても、作家の生活維持費はカバーされないことも多いです。

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大学を卒業後にまず購入したTAJIMAのレーザー墨出し器。当時にしては高額なものであったが、卒後後は大学の備品を使用することもできなくなり、5円玉を糸で吊るして垂直を測ることに限界を感じたため購入に踏み切った。空間全体を大きく使う持田さんの作品作りに欠かすことができない機材で、今でも大切に使い続けている。


ー持田さんの作品はダイナミックで、その場所に行った時の感動はすごいと思います。それをみたい、知りたいという人は多いと思うので、体験に対して応援ということでスティッカーを送るということはあるのではと。

素直にありがたいな、と思います。未来の話で言えば、作品を作って行く上でオルタナティブな動きじゃないですけど、個人でも制作をしていきたいんですよね。芸術祭とか展覧会とかの機会ってとてもありがたいのですけれど、リサーチやコンセプトを考える時間が十分に取れない場合があったり、運営側の求めることにいかに応えるか、という勝負になってくることもあるので。そうやって与えてもらった問いが起点になる活動を行いながらも、それと並行して自分が本当にやりたいことをじっくり模索しながら、泥臭く、効率悪く作品をつくりたい、ということになるととにかく、お金がないんですよ。

お金を得るためにプロジェクトに対してファンディングをアプライするとかもあるんですけど、本当に狭き門ですし、後ろに公共的な機関の支えがない中でコンセプトを作りながらお金をどうするかなどの問題を考えていくとなると、大きなスケールの作品はどんどん実現が難しくなっていきます。もちろん、どんな状況でも、どんな無謀なアイディアでも、どう現実的に着地させるかが作家の腕の見せどころなのだと思いますが、応援してくださる方は一人でも多くいた方がいいですよね。

だから自分発信で、これが本当にやりたい、という将来的な動きみたいなものをArtStickerを通して応援というか・・一緒にみてくださるようになったりしたらそれはすごいことだなと思いますね。

ArtStickerで何を出すかは作家次第じゃないですか。だから別に、出来た作品だけでなくて、これからやりたいこととか、将来的なプランを出して、それをユーザーの皆さんに見ていただくというのでもいいんじゃないかなって。作品を「買う」「買わない」だけでなくて、作家としての長めのサポートというか、過去と未来、現在も含めて関わることとしてみていただけるといいなと。

ただ、すごく正直な本音を言うと、リアルな話として数百円をいただいたところでプロジェクトは動かない、という現実はあります。けれど、まずはアプリを通してその作家が生きているということを知っていただき、自分ごとにしてもらうという、その入り口として良いものだと思いますし、それ自体が、アーティストみんなが抱える問題を動かす大きな一歩になってくれると思います。

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PARADISE AIRの建物内では、エレベーターが使えない。長く続く階段を退屈に感じないよう、以前滞在していたアーティスト・Purin Phanichphantが、階段の一段一段をワードで埋めるアートを施した。上の段へ行くにつれて徐々にその言葉はポジティブなものへと変化していき、気分を高揚させてくれる。ラストの一段には、レジデンスの名前でもある「PARADISE」の文字が記されている。


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NEWS!
【「Atsuko Mochida and Lovely Friends」がArtStickerにて公開中】

持田さんが同世代の作家の中で、特に面白いと思っている友人たちを紹介しているキュレーションページ「Atsuko Mochida and Lovely Friends」が、「ArtSticker」にてご覧いただけます。
気鋭の若手作家5名(橋本晶子 ・田中彰 ・横山麻衣・人見紗操・持田敦子)が生み出す表現の世界を、お見逃しなく!

▼詳細は下記よりご覧ください。https://artsticker.app/share/discover/curated_lists/21


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持田敦子プロフィール
1989年東京生まれ。東京藝術大学 大学院 先端芸術表現専攻修了、バウハウス大学ワイマール 大学院 Public Art and New Artistic Strategies修了。プライベートとパブリックの境界にゆらぎを与えるように、既存の空間や建物に、壁面や階段などの仮設性と異物感の強い要素を挿入し空間の意味や質を変容させることを得意とする。主な展覧会に「近くへの遠回り―日本・キューバ現代美術展」(2018、ハバナ)など。

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TCMは「世の中の体温をあげる」という想いをかかげ、「Soup Stock Tokyo」等を手がけてきた遠山が構想する「新たなアート体験」に、PARTYが得意とする「デジタルでの体験設計」を融合させ、アートと個人の関係をテクノロジーで変革させ、新たな価値の提示を目指しています。

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The Chain Museumは、遠山正道×クリエイター集団PARTYが新たに発信する  「アートの次のあり方をつくる」プロジェクトです。 アーティスト支援アプリの「ArtSticker」を運営しています。 https://artsticker.app/